Name: Drawings by russian artists: late 18th-early 19th centuries (Dibujos de artistas rusos: finales del siglo XVIII y principios del XIX)
Brand: Aurora Art
Availability: InStock

Drawings by russian artists: late 18th-early 19th centuries

(Dibujos de artistas rusos: finales del siglo XVIII y principios del XIX)

Editorial Aurora Art

1983

En inglés

Tapa dura - Carpeta

12 láminas: reproducciones a color con dibujos y acuarelas montanas en cartulinas. Tamaño: 46x44 cm.

Impreso en Leningrado (URSS)

✶ ESTADO: 9/10. Excelente estado.

Sin detalles.

“Easter-week Fair” - Gavriil Skorodumov. Reproducido en esta edición

✶ SINOPSIS: Prólogo de esta edición traducido al español

Los artistas gráficos rusos de fines del siglo XVIII y comienzos del XIX aportaron un capítulo muy interesante a la historia cultural del país. La destreza técnica y artística alcanzada entonces en el arte del dibujo debió mucho al sistema de enseñanza de la Academia de Bellas Artes, donde, desde su fundación, el dibujo fue considerado “el alma y la regla de todas las artes”. Resulta natural, por lo tanto, que las mejores muestras del arte gráfico ruso de ese período incluyan no sólo dibujos de pintores y grabadores, sino también de escultores y arquitectos. Un ejemplo reproducido en esta edición es un boceto realizado por el arquitecto Andrei Voronikhin para un puente y un obelisco que debían levantarse en el jardín del conde Stroganov en San Petersburgo.

La acuarela Feria de Pascua del grabador Gavriil Skorodumov se destaca por el interés del artista en la vida de la gente común, un rasgo poco frecuente en el arte del siglo XVIII. Esta pequeña escena de género, que muestra una celebración festiva con barracas y calesitas, está llena de vida, color y un humor apacible.

Hacia fines del siglo XVIII, la escuela rusa de dibujo ya tenía tradiciones bien asentadas y había dado algunos dibujantes excelentes. Sin embargo, fue en los primeros años del siglo siguiente cuando el dibujo como forma de arte alcanzó su punto más alto. En ese momento, el neoclasicismo era la tendencia dominante en el arte ruso. Los teóricos y artistas de la escuela clásica consideraban la línea de contorno como el medio principal para reproducir el mundo, y sostenían que el dibujo, “incluso sin color, puede representar todo lo que la naturaleza o la imaginación ponen ante nosotros”. El dibujo era tenido por fundamental en la creación de una pintura, una escultura o un diseño arquitectónico. Eso exigía un dominio muy alto del oficio, y la mayoría de los artistas de comienzos del XIX manejaban la línea con total seguridad. En una época regida por cánones estrictos, el dibujo fue una forma de expresión creativa en la que, al margen de las exigencias de la estética oficial o de los clientes, el artista podía revelar más plenamente su individualidad. Probablemente por eso muchos representantes del neoclasicismo ruso mostraron más brillo de talento en el dibujo que en otras artes.

En este sentido, las obras de Alexei Yegorov resultan especialmente interesantes. Todo lo que hizo este artista, desde bocetos rápidos hasta composiciones terminadas, está hecho con mano maestra. Su estilo preciso y lacónico, y la audacia con que introdujo escorzos complejos, le valieron un reconocimiento merecido. Artista clásico en el sentido pleno, Yegorov se guiaba por los ideales de la Antigüedad, pero en su manera no hay ni rastro de frialdad ni de sequedad. Así, su Mujer con tocado oriental, dibujada de memoria, es una imagen de fuerte intensidad emotiva.

Combinando con destreza distintos materiales gráficos, Yegorov logra en sus obras una integridad visual y una belleza poco comunes. En el dibujo La huida a Egipto, el efecto de movimiento se produce por la estructura diagonal de la composición y por el juego de líneas finas que se entrelazan. Ese efecto se intensifica por el contraste entre el blanco del papel y las manchas pardas de sepia, que le dan al dibujo una calidad cercana a la pincelada.

El hábito de pensar nuevos temas con un lápiz en la mano, desarrollado en la Academia, permitió a muchos artistas superar en el arte gráfico las limitaciones del neoclasicismo en materia de géneros y asuntos. Uno de los más visibles entre ellos fue Orest Kiprensky, cuyos dibujos reflejaron tendencias del arte ruso que coexistieron con el neoclasicismo. Mientras que su Palas Atenea y Cupido, de tema mitológico, está tratado dentro de la tradición clásica, el Paisaje con sirgadores ya se apartaba de los criterios estéticos de ese estilo. A diferencia de los artistas clásicos, que consideraban que los episodios casuales de la vida no merecían ser representados, Kiprensky eligió sus temas de la vida cotidiana más común. El artista muestra escenas que le llaman la atención, la suave pendiente de la orilla de un río y los hombres que arrastran una barcaza. Sin embargo, el Paisaje con sirgadores no es una mera reproducción de lo que el artista vio. Es el resultado de sus meditaciones sobre la vida, la naturaleza y el hombre, una obra que combina de manera armónica realidad y simbolismo, la imagen del río como símbolo de la vida era una de las preferidas de los románticos. Al representar en el ángulo izquierdo del cuadro sólo una parte del bote y cortar la composición en el borde derecho, Kiprensky “atrapa el instante”, aislándolo de la rutina de la vida. De ese modo afirma su interés por los hechos de todos los días y su derecho a representarlos, algo poco frecuente en las obras de comienzos del XIX.

La concepción romántica del mundo como una totalidad integral en la que hombre y naturaleza son inseparables también se revela en la forma en que Kiprensky “anima” su paisaje. Los reflejos de la luz de luna, el crepúsculo misterioso del atardecer, motivos habituales del arte romántico, expresan al mismo tiempo el estado de la naturaleza y el ánimo del hombre. En esa actitud sincrética frente al mundo, tan característica del romanticismo, Kiprensky no tuvo predecesores entre los artistas rusos.

La valoración de la belleza natural ya era visible en el arte ruso desde el siglo XVIII. A fines de ese siglo, a los artistas se los invitaba con frecuencia a acompañar distintas expediciones. En contacto directo con la naturaleza, dejaban de lado la estructura convencional de paisaje tipo bastidor, propia del clasicismo. Dibujando del natural, descubrían la belleza y la carga poética del campo ruso, como en la acuarela El molino de Mikhail Ivanov. Las obras de los paisajistas del siglo XVIII, sin embargo, rara vez están teñidas por el sentimiento personal del artista, y las reglas que rigen el género siguen observándose con rigidez.

Con razón se considera al siglo XVIII como la “edad del retrato”, aunque los retratos dibujados son escasos entre las obras de ese período. Si bien el Retrato de Alexander Belëshov de Vladimir Borovikovsky fue realizado a comienzos del XIX, la composición del dibujo, el uso del color y las suaves gradaciones de sombra recuerdan la pintura del siglo anterior.

Un verdadero hallazgo artístico del nuevo siglo fue el “retrato íntimo”. Su aparición durante la guerra de 1812 se asocia con nuevas ideas sobre la dignidad, los derechos y los deberes del hombre. Los artistas empezaron entonces a concentrarse en la personalidad y la vida interior del modelo más que en su posición social. Cada vez con más frecuencia se volvieron hacia personas afines en espíritu, retratándolas en ámbitos cotidianos y domésticos. La “verdad de los sentimientos”, propia de la poesía lírica de Pushkin y sus contemporáneos y de los romances rusos de la época, fue también un rasgo distintivo del retrato íntimo en el cambio de siglo.

Es en las obras de Kiprensky donde pueden rastrearse los orígenes de ese retrato íntimo. La mayoría de sus retratos a lápiz se destacan por la profundidad con que penetran en el carácter del retratado y por la naturalidad de su presentación. Kiprensky solía dibujar retratos en una sola sesión, buscando y alcanzando fidelidad y espontaneidad en la imagen. Usó a menudo tiza negra, un material blando y maleable capaz de dar una gran riqueza de matices. El Retrato de Mikhail Lanskoi es uno de los mejores dentro de la serie de dibujos que Kiprensky dedicó a los héroes de la guerra de 1812. El énfasis del artista está puesto en la caracterización y en el estado de ánimo del modelo, mientras que el uniforme militar y las condecoraciones, pruebas de su distinguido historial de servicio, están tratados de manera sumaria.

Siguiendo el camino abierto por Kiprensky, muchos artistas rusos se volcaron al retrato íntimo. Fueron especialmente reconocidos los retratos a lápiz y acuarela realizados por Piotr Sokolov. Sus obras, por ejemplo el Retrato de Elizaveth Theresa Razumovskaya, notables por la fineza de ejecución, están llenas de un afecto sincero y cálido hacia el modelo.

Un lugar especial dentro del arte gráfico ruso de comienzos del XIX le corresponde a Alexander Orlovsky. Polaco de nacimiento, Orlovsky llegó a San Petersburgo en 1802 y vivió en Rusia el resto de su vida. Dejó una gran cantidad de dibujos de temas muy diversos. Sus escenas de batalla y de fogón de campaña, sus bocetos de soldados kirguises y cosacos, sus retratos y caricaturas, están realizados con una energía aguda y vivaz. A Orlovsky le gustaban mucho los efectos de luz en la naturaleza nocturna, como en Vista del mar de noche. Nada parecía escaparse al ojo atento y al lápiz rápido de este artista tan versátil. Sentía una profunda preocupación por la suerte de campesinos, migrantes, mendigos y presidiarios, representados en muchas de sus obras. Con justicia se lo considera el fundador del “retrato animal” en Rusia. Sus imágenes de animales son, quizá, los ejemplos más logrados de ese género en el arte ruso, como Cabeza de caballo. Los doce dibujos reproducidos en esta edición representan de manera elocuente las tendencias generales y los rasgos distintivos del dibujo ruso entre fines del siglo XVIII y comienzos del XIX. Yevgeniya Petrova

RUSSIAN GRAPHIC ARTISTS of the late eighteenth and early nineteenth centuries have contributed a most interesting chapter to the country's history of culture. The technical and artistic skill attained in the art of draughtsmanship at that time owed much to the system of instruction in the Academy of Fine Arts, where, since its foundation, drawing was regarded as the “soul and rule of all arts”. It is quite natural, therefore, that the best specimens of Russian graphic art of the period include not only the drawings of painters and engravers but also those of sculptors and architects. An example reproduced in this edition is a sketch made by the architect Andrei Voronikhin for a bridge and an obelisk to be erected in Count Stroganov's garden in St. Petersburg.

The water-colour Easter-week Fair by the engraver Gavriil Skorodumov is noteworthy for the artist's interest in the life of the common people, a feature rarely found in eighteenth-century art. This small genre picture of the gay festival with side-shows and merry-go-rounds is full of life, colour and gentle humour.

Towards the end of the eighteenth century the Russian school of drawing already had well-established traditions and had produced some excellent draughtsmen. However, it was in the early years of the next century that drawing as a form of art reached its peak. At that time Neo-Classicism was the predominant trend in Russian art. Theoreticians and artists of the classical school regarded the contour line as the principal means of reproducing the world, contending that drawing, “even without colour, can render all that nature or imagination presents to us”. Drawing was held to be of primary importance in creating a picture, sculpture or architectural design. This called for highly expert draughtsmanship, and most of the artists of the early nineteenth century had a perfect command of line drawing. At a time when stringent canons held sway, drawing was a form of creative expression in which, independent of the demands of official aesthetics or of his clients, the artist could more fully reveal his individuality. It was probably for this reason that many representatives of Russian Neo-Classicism displayed greater brilliance of talent in drawing than in the other arts.

Of particular interest in this respect are Alexei Yegorov's works. Everything this artist created, from rough sketches to finished compositions, is done by the hand of a master. His precise and laconic style and bold introduction of complex foreshortenings brought him well-deserved acclaim. A true classical artist, Yegorov was guided by the ideals of antiquity, yet there is not a hint of coldness or dryness in his manner. Thus, his Woman with Oriental Head-dress, drawn from memory, is an image of high emotional appeal.

Skilfully combining different graphic materials, Yegorov achieves in his works unusual pictorial integrity and beauty. In the drawing The Flight into Egypt the effect of movement is produced by the diagonal structure of the composition and by the play of slender interlacing lines. This effect is enhanced by the contrast between the white of the paper and the brown splashes of sepia which give the drawing the quality of brushwork.

The habit of thinking out new themes with a pencil in hand, developed at the Academy, enabled many artists to overcome in graphic art the limitations of Neo-Classicism in genre and subject-matter. Conspicuous among them was Orest Kiprensky, whose drawings reflected trends in Russian art which existed alongside of Neo-Classicism. Whereas his Pallas Athena and Cupid, a mythological subject, is treated in the classical tradition, the Landscape with Barge-haulers was already at variance with the aesthetic standards of that style. Unlike the classical artists, who held that casually observed episodes were not worthy of portrayal, Kiprensky chooses his subjects from ordinary everyday life. The artist depicts scenes that catch his eye, the gently sloping bank of a river and the men towing a barge. However, the Landscape with Barge-haulers is not merely a reproduction of what the artist has seen. It is the outcome of his meditations on life, on nature and on man, a work harmoniously combining reality and symbolism (the river as a symbol of life was a favourite image with the Romantics). Depicting in the left-hand corner of the picture only part of the boat and cutting off the composition at its right edge, Kiprensky “captures the instant”, picking it out from the routine of life. In this way the artist states his concern with day-to-day events and asserts his right to portray them, a feature uncommon in early nineteenth-century works.

The Romantic conception of the world as an integral whole in which man and nature are inseparable is also revealed by the way in which Kiprensky “animates” his landscape. The reflections of the moonlight, the mysterious dusk of evening, motifs common to Romantic art, express both the state of nature and the mood of man. In this syncretic attitude to the world, characteristic of Romanticism, Kiprensky had no predecessors among Russian artists.

The appreciation of natural beauty was evident in Russian art as early as the eighteenth century. At the end of the century artists were often invited to accompany various expeditions. In communion with nature they would forgo the conventional coulisse-type structure of landscape composition typical of Classicism. Drawing from life, they would discover the beauty and poetic appeal of the Russian countryside (Mikhail Ivanov's water-colour The Mill). The works of the eighteenth-century landscapists, however, are rarely tinged with the artists' personal sentiment, and the rules governing the genre are still strictly observed.

The eighteenth century is rightly considered the “age of portraiture”, yet portrait drawings are a rarity among the works of that period. Although Vladimir Borovikovsky's Portrait of Alexander Belëshov was created in the early nineteenth century, the composition of the drawing, the use of colour and soft shading call to mind paintings of the preceding century.

A true artistic discovery of the new century was the “intimate portrait”. Its appearance during the War of 1812 is associated with new concepts of the dignity, rights and duties of man. Now artists focused their attention on the personality and inner life of the sitter rather than on his social status. They turned ever more often to their kindred in spirit, portraying them in ordinary, domestic surroundings. The “truth of sentiments”, inherent in the lyrical poetry of Pushkin and his contemporaries and in the Russian romances of the period, was also a distinctive feature of the intimate portrait at the turn of the century.

It is to the works of Kiprensky that the origins of the intimate portrait are traced. Most of his pencil portraits are notable for a deep insight into the character of the subject and a natural ease of presentation. Kiprensky usually drew portraits at a single sitting, striving after and attaining fidelity and spontaneity of image. He often used black chalk, a soft, pliable material capable of rendering a wealth of nuances. The Portrait of Mikhail Lanskoi is one of the finest in Kiprensky's series of drawings devoted to the heroes of the War of 1812. The artist's emphasis is on the characterization and the mood of his model, whereas the military uniform and the decorations, evidence of the officer's distinguished service record, are treated in a summary manner.

Following Kiprensky's lead, many Russian artists turned to intimate portraiture. Particularly renowned were the pencil and water-colour portraits done by Piotr Sokolov. His works (e.g. Portrait of Elizaveth Theresa Razumovskaya), remarkable for the exquisite manner of execution, are full of a sincere and warm-hearted affection for the model.

A special place in Russian graphic art of the early nineteenth century belongs to Alexander Orlovsky. A Pole by birth, Orlovsky came to St. Petersburg in 1802 and lived in Russia for the rest of his life. He left a great number of drawings of various subjects. His battle and camp-fire scenes, sketches of Kirghiz and Cossack soldiers, portraits and caricatures are all executed in a keen and spirited manner. Orlovsky was very fond of light effects in nocturnal nature (View of the Sea at Night). Nothing seemed to escape the searching eye and the swift pencil of this versatile artist. He felt a deep concern over the plight of peasants, migrants, beggars and convicts, depicted in many of his works. Orlovsky is justly regarded as the founder of the “animal portrait” in Russia. His pictures of animals are perhaps the finest examples of this genre in Russian art (Head of a Horse). The twelve drawings reproduced in this edition are representative of the general trends and distinctive features of Russian drawing in the late eighteenth and early nineteenth centuries. Yevgeniya Petrova.

✶ INDICE:

1- Gavriil Skorodumov (1755–1792)

“Easter-week Fair”

Water-colour, Indian ink and pen on paper.

21.1 × 29.9 cm

2- Mikhail Ivanov (1748–1823)

“The Mill”

Water-colour, Indian ink and pen on paper.

19.2 × 29.8 cm

3- Andrei Voronikhin (1759–1814)

“Sketch for an obelisk and a stone bridge in the garden of Count Stroganov’s villa”

Water-colour, Indian ink and pen on paper.